„Milo“-Kritik: Marion Cotillard trägt ein düsteres, klassisch inszeniertes französisches Drama mit Anklängen an den Film noir

Seit Ende der 1960er-Jahre hat sich Nicole Garcia eine interessante Nische im französischen Kino erarbeitet. Ihre Karriere begann als vielversprechende junge Schauspielerin in Filmen von Bertrand Tavernier, Jacques Rivette, Claude Sautet und Alain Resnais. Besonders hervorzuheben ist ihre Rolle an der Seite von Gérard Depardieu in Resnais’ Meisterwerk „Mein Onkel aus Amerika“. Anfang der 1990er-Jahre wechselte sie dann hinter die Kamera und hat sich in den vergangenen drei Jahrzehnten eine beachtliche Filmografie aufgebaut. Dabei widmete sie sich bevorzugt düsteren Dramen („Der Widersacher“), romantischen Thrillern („Ein Blick aufs Meer“, „Die Liebenden“) und Kriminalgeschichten („Place Vendôme“, „Der Lieblingssohn“). Nicht alle Filme von Garcia sind gleichermaßen gelungen, doch sie zeichnen sich stets durch eindringliche Darstellungen und eine intensive, häufig schwermütige Atmosphäre aus. Damit ist sie zumindest in Frankreich so etwas wie das kommerzielle Gegenstück zu anderen bedeutenden französischen Regisseurinnen wie Claire Denis und Catherine Breillat.

Mit 80 Jahren legt Garcia mit „Milo“ („7h40 ce matin-là“) erneut ein starkes, wenn auch eher klassisch inszeniertes Drama vor. Marion Cotillard spielt darin eine ehemalige Strafgefangene, die 20 Jahre nachdem sie gezwungen war, ihren Sohn zurückzulassen, versucht, wieder Kontakt zu ihm aufzunehmen. Der junge Mann wird von dem aufstrebenden Théodore Pellerin („Lurker“) verkörpert. Das langsam erzählte und immer wieder überraschende Szenario ist zwar nicht grundsätzlich neu und bewegt sich zwischen Familiengeheimnissen und Kleinstadt-Film-noir, doch der Film hat einiges zu bieten. Allen voran Cotillards schonungslos rohe Darstellung, die zu ihren besten Arbeiten der vergangenen Jahre zählt. Für ihre Rolle legt sie den Glamour ihrer Chanel-Werbung ab und erinnert damit an ihre eindringliche Performance in den Dardenne-Brüdern „Zwei Tage, eine Nacht“.

An diese von Cotillard gespielte Arbeiterfigur muss man denken, als wir die etwa 40-jährige Alice zum ersten Mal kennenlernen. Sie kommt mit dem Bus nach Romans-sur-Isère, einer rauen und alles andere als malerischen Kleinstadt im Südosten Frankreichs. Verzweifelt auf der Suche nach Arbeit und einer Unterkunft, bekommt Alice eine Stelle als Kellnerin in einem örtlichen Restaurant, das an eine französische Version von Applebee’s erinnert – nur deutlich deprimierender. Sie kommt in einer düsteren, spärlich eingerichteten Wohnung in einer örtlichen Sozialbausiedlung unter.

Von Anfang an ist klar, dass Alice noch einen anderen Plan verfolgt – die Karte, die sie in ihrer Tasche versteckt, verrät es. Immer deutlicher wird ihr Vorhaben, als wir beobachten, wie sie Milo ausspioniert. Der 20-Jährige arbeitet als Automechaniker und gehört zu den Stammgästen des Restaurants, in dem Alice kellnert.

Das Drehbuch wechselt zwischen den Perspektiven der beiden und lässt sich Zeit, nach und nach entscheidende Informationen preiszugeben. Während Alice immer mehr Zeit in Milos Nähe verbringt, ohne ihre wahre Identität zu enthüllen, setzen sich die einzelnen Puzzleteile langsam zusammen. Schon bald erkennt Milos Mutter (Laure Calamy) in Alice nicht nur die leibliche Mutter ihres Adoptivsohns, sondern auch eine ehemalige Aktivistin aus dem linken politischen Spektrum, die in den 1990er-Jahren einen Banküberfall verübte, bei dem ein Polizist ums Leben kam.

Das ist harter Stoff, und Garcia versucht zu keiner Zeit, ihn leichter erscheinen zu lassen. Stattdessen verankert sie die Schwere der Geschichte in glaubwürdigen, psychologisch überzeugenden Darstellungen – selbst dann, wenn der Film mit einer ganzen Nebenhandlung über Drogendealer und einen Clan wohlhabender Landbesitzer, der für Milo zu einer Ersatzfamilie geworden ist, immer stärker in Richtung Film noir driftet. In einer bezeichnenden Szene wird Alice als Kellnerin für eine Party auf dem prächtigen Landsitz der Familie engagiert. Sie bemüht sich, die perfekte Dienerin zu geben, bis sie sich schließlich in der Küche hinsetzt, eine Flasche unbezahlbaren Weins öffnet und sich vor den fassungslosen Angestellten selbst ein Glas einschenkt.

Cotillard spielt diesen Moment mit einer Mischung aus Erschöpfung und einem typisch französischen „Was soll’s?“-Schulterzucken. Dabei zeigt sich eine Frau, die den ersten Teil ihres Lebens als studentische Revolutionärin gegen das Establishment aufbegehrte und in der zweiten Hälfte einen hohen Preis dafür zahlen musste. Trotz dieses Hintergrunds wird „Milo“ nie wirklich politisch. Abgesehen von einer aufschlussreichen Szene, in der Alice eine an Krebs sterbende ehemalige Mitstreiterin (Anne Brochet) besucht, bleibt ihre Vergangenheit als Linksaktivistin eher grob skizziert. Überzeugend zeigt der Film jedoch, wie sehr die Last der eigenen Jugend einen Menschen ein Leben lang verfolgen kann. Genau das erklärt, warum Alice alles daransetzt, Milo davor zu bewahren, einige ihrer Fehler zu wiederholen.

Der aus Québec stammende Schauspieler Pellerin, dessen Durchbruch im vergangenen Jahr mit der Cannes-Entdeckung „Nino“ gelang und ihm einen César einbrachte, bleibt als hart arbeitender junger Mann nachhaltig im Gedächtnis. Milo beginnt allmählich zu erkennen, welchen niedrigen gesellschaftlichen Status er innehat und wie grausam die Welt außerhalb seiner unmittelbaren Umgebung sein kann. Die Verzweiflung in seinen Augen lässt sich selbst von den fragwürdigeren Überraschungen des dritten Akts nicht abschütteln. Sie macht deutlich, dass er tatsächlich der Sohn seiner Mutter ist – trotz der Jahrzehnte, die sie getrennt voneinander verbracht haben.

Eine Hollywood-Version dieser Geschichte würde zweifellos damit enden, dass die beiden glücklich wiedervereint werden. Doch dies ist Frankreich, und dies ist Nicole Garcia. Deshalb endet „Milo“ auf befriedigende Weise düster, ohne vollkommen hoffnungslos zu wirken. Alice gelingt es, Spuren im Leben ihres Sohnes zu hinterlassen, ohne jemals wirklich ein Teil davon zu werden.

Von Jordan Mintzer