Chloé Zhao ist eine chinesische Drehbuchautorin, Regisseurin, Produzentin und Filmeditorin, die bislang nur fünf Spielfilme vorzuweisen hat – alle in den letzten 11 Jahren erschienen: Songs My Brothers Taught Me (2015), The Rider (2017), Nomadland (2020), Eternals (2021) und Hamnet (2025). Dennoch hat sie sich bereits als eine der bewundertsten Filmemacherinnen ihrer Generation etabliert. Sie ist erst die zweite Frau und die erste POC, die den Oscar für die Beste Regie gewann – für Nomadland, das zudem den Oscar für den Besten Film erhielt. Nun ist sie erneut für die Oscars in den Kategorien Beste Regie und Bestes adaptiertes Drehbuch für Hamnet nominiert, der ebenfalls für den Besten Film nominiert ist.
In einer aktuellen Folge des Podcasts Awards Chatter von The Hollywood Reporter sprach Zhao darüber, warum sie zunächst beinahe auf Hamnet verzichtet hätte und wie die Arbeit an dem Film, mit Jessie Buckley und Paul Mescal in den Hauptrollen, ihr half, ihre Liebe zum Filmemachen wiederzuentdecken.
2021 haben Sie in einer Nacht zwei Oscars für Nomadland gewonnen: Bester Film und Beste Regie. Sie waren erst die zweite Frau und die erste POC, die jemals den Oscar für Beste Regie erhielt. Wie haben Sie das verarbeitet?
Damals hatte ich viel zu verarbeiten. Wahrscheinlich hätte ich es besser verarbeiten können – ich hätte es mehr genießen und mir selbst sagen sollen: „Du hast großartige Arbeit geleistet.“ Stattdessen war ich zu sehr auf die Dinge fokussiert, die ich getan hatte, auf das, was damals nicht ganz funktioniert hatte, und habe nicht richtig gewürdigt, was das bedeutete, und nicht anerkannt, wie viel harte Arbeit es gekostet hat, dorthin zu gelangen.
Im selben Jahr erschien Eternals, Ihr Film für Marvel. Dann haben Sie vier Jahre lang keinen weiteren Film gedreht, bis Hamnet. Was geschah in dieser Zeit?
Als Frau in meinen 40ern veränderte sich mein Körper stark. Manche beschrieben es als „Beschleunigung“, weil man einfach nicht mehr herumalbern kann. Vor allem, wenn man für die Dinge sensibilisiert ist, merkt man: „Wow.“ Die Intuition wird tatsächlich schärfer. Und plötzlich kommen all die Dinge, die man früher beiseitegeschoben hat, wieder hoch. Genau dafür ist eine Midlife-Crisis eigentlich sehr nützlich. Mein Mentor – obwohl ich ihn nicht persönlich kenne – Carl Jung, würde sagen, dass man die erste Hälfte seines Lebens damit verbringt, eine Identität aufzubauen, und die zweite Hälfte damit, diese zu zersetzen, um wieder zu dem zurückzukehren, wer man wirklich ist. Ich habe in dieser Zeit viele Verluste erfahren – körperlich, emotional, aber auch spirituell.
Als Steven Spielberg und Sam Mendes Sie erstmals fragten, Hamnet zu inszenieren, zögerten Sie. Warum?
Ich arbeitete gerade an Dracula [für Universal], und ich war mir sehr sicher, dass das mein nächster Film sein würde. Ich arbeitete immer noch sehr leidenschaftlich daran. [Anmerkung der Redaktion: Es gibt noch kein Erscheinungsdatum, der Film befindet sich noch in Entwicklung.] Das war mein Fokus.
Als ich das Projekt Hamnet zum ersten Mal angeboten bekam, dachte ich, es wäre ein sehr einfacher Film. Ich dachte: „Oh, das wirkt im Vergleich zu Dracula sehr überschaubar. Es ist ein Drama, und es spielt in einer einzigen Familie.“ Tatsächlich wurde es der schwierigste Film, den ich je gemacht habe. Basierend auf der Logline – Shakespeare, Mutter verliert ein Kind, historisch – dachte ich zunächst nicht, dass ich die richtige Person dafür bin.
Mütter in Ihren früheren Filmen waren entweder fehlerhaft oder ganz abwesend.
Vor allem diese Art von mächtiger, nährender, bedingungslos sehender, göttlicher Mutter. So ein Archetyp existiert in meinen Filmen nicht, außer in der Natur.
Worauf sind Sie bei Hamnet am meisten stolz?
Ryan Coogler sagte beim Telluride-Festival zu mir: „Ich sehe dich in diesem Film. Du hast dich endlich gezeigt.“ Ich erwiderte: „Das Kompliment gebe ich zurück – in Sinners sehe ich dich. Da hast du dich wirklich gezeigt.“ Er antwortete: „Du versteckst dich oft hinter anderen Dingen. Das sind alles schöne Filme, aber dieser hier – das bist du.“
Ich war bei Ihrer Premiere in Telluride, wo Sie alle durch eine Atemübung führten – eine von vielen unkonventionellen Methoden, die Sie am Set von Hamnet einsetzten. Woher stammen einige Ihrer unkonventionellen Regieansätze?
Ich habe viele Werkzeuge von großartigen Lehrern gelernt, um durch meine eigene Trauer zu arbeiten, damit ich tun kann, was Agnes [Buckley] getan hat: Ich kann meine Trauer ausdrücken. Und ich kann es so tun wie Will [Mescal]: Ich kann Geschichten erzählen. Ich tue es kreativ und somatisch. Am Set war es sehr wichtig, diese Übergänge für unsere Schauspieler zu schaffen, die moderne Schamanen sind. Schamanen unterzogen ihre Körper intensiven Erfahrungen, um etwas als Heilmittel für den Stamm zu kanalisieren.
Es war sehr befriedigend, den Schauspielern die Erlaubnis zu geben, tiefgründig zu sein und die Arbeit als heilig zu empfinden. Das bedeutete einen langsamen Übergang in die Szene, der alle am Set einbezog.Der Produktionsassistent, der Tontechniker, der Grip – alle sorgten dafür, dass Jessie sich vollkommen sicher und geborgen fühlte, und sie spürte das.
Und das erforderte für die Führungspersonen – mich und die Produzenten – Fingerspitzengefühl, um jeglichen Zynismus gegenüber der Arbeit der Schauspieler zu vermeiden. Ich fühlte mich sehr offenherzig, als ich in dieser exponierten Rolle war.
Beim Palm Springs Film Festival lobte Jane Fonda Hamnet in höchsten Tönen. Sie wirkten sprachlos, als sie sagte: „So soll Film sein. Das ist meiner Meinung nach ein perfekter Film. Es ist ironisch, dass ein Film über Shakespeare oder seine Familie wenig mit Worten zu tun hat; er geht darüber hinaus. Wenn man sich ihm hingibt, spürt man, wie die Schuppen vom Herzen fallen. Man wird bis zum Fundament geführt; es ist ein urtümlicher Film, der meiner Meinung nach nur von einer Frau wie Chloé gemacht werden konnte.“ Wie haben Sie das verarbeitet?
Wir waren sprachlos und zutiefst bewegt. Wir zitterten, als wir auf die Bühne gingen und wussten nicht, was wir sagen sollten. Aber ich verstand, was sie meinte, und darauf bin ich sehr stolz. Die Menschen, die diesen Film gemacht haben, haben einen „Container“ geschaffen. Wir haben unsere Schauspieler gehalten, und sie haben uns gehalten. Ich habe durch Hamnet gelernt, dass Führung von gegenseitiger Abhängigkeit kommt, nicht von Dominanz. Wenn sich eine Gruppe von Menschen zusammenfindet, um die Freude und den Schmerz des anderen zu tragen, überleben wir als Spezies. Ich glaube, Jane meint und fühlt, dass das Kino und Geschichtenerzähler die Verantwortung haben, solche Räume zu schaffen und sich selbst in diesen Raum zu begeben.
